Le Voyage à Nantes et la Semitan invitent cette année Florentine et Alexandre Lamarche-Ovize à intervenir sur deux tramways de la ligne 3.

Investissant ces supports à la manière de tableaux mobiles dans l’espace urbain, le duo d’artiste imagine Le train fantôme, un bestiaire composite qui évolue dans une toile de fond peuplée de références à la ville : un éléphant pour les Machines de l’île, des créatures sous-marines des romans de Jules Verne, un coq, un canard et une tortue que l’on peut rencontrer au Jardin des plantes ; mais aussi des créatures plus exotiques comme un flamant rose, un hippopotame, ou un crocodile.

Cette joyeuse farandole est une hybridation de l’imaginaire et du réel, un mélange des genres et des espèces, ponctuée de références à l’histoire de Nantes, ville portuaire marquée par les échanges commerciaux.

Avec Le train fantôme, Florentine & Alexandre Lamarche-Ovize illustrent de manière joyeuse et jubilatoire une notion qui leur est chère : le métissage des cultures, qu’ils ont retrouvé à Nantes à travers différents symboles.

À partir du 1er septembre, l’un des deux tramway circulera sur la ligne 2.

Remous, esprits, traces, lectures parallèles et relectures sont autant de nouvelles perspectives qui sous-tendent l’édition 2024 des Rencontres d’Arles.
Photographes, artistes et commissaires dévoilent leurs visions, leurs histoires, telle celle de notre humanité, tour à tour contrariée, en perpétuelle redéfinition, résiliente, mais aussi visionnaire. À la marge ou établis, les récits mènent à des voi(x)es multiples. Tous émanent des interstices d’une surface poreuse : ils s’entremêlent, se superposent, se chevauchent. La période est excitante, tant cet ensemble conduit à une pluralité d’itinéraires à emprunter.

Le Centre des monuments nationaux présente, en collaboration avec Pays de Gex Agglo et le collectif bermuda, l’exposition « Une Clameur » au château de Voltaire et au Fort l'Écluse du 29 juin au 22 septembre 2024.

Une Clameur couvre l’ensemble du champ des arts visuels, de la peinture à la performance en passant par la sculpture, le film, la photographie et l’installation sonore. Son titre renvoie au grondement d’une foule qui se rapproche, à une prise de conscience grandissante et collective. Elle se saisit de la sphère des communs ; terre, air, eau, langage, subsistance… Et souligne le rôle d’un art aux multiples formes, en prise avec les urgences contemporaines.
 

Conçue et organisée par l’équipe curatoriale bermuda, l’exposition est ouverte à tous publics. 

Intitulée « Nous Merveillons » sur une proposition curatoriale d’Evariste Richer, la 10e Biennale internationale d’art contemporain de Melle se tiendra du 29 juin au 29 septembre 2024. Elle sera visible dans toute la ville, dans ses principaux monuments comme l’hôtel de Ménoc, le temple et les églises de sa triade romane, ainsi qu’en extérieur en différents points de la ville et le long de l’arboretum ceinturant la commune, le Chemin de la Découverte.

Exposition en partenariat avec le Centre Pompidou

Dans le cadre de son partenariat avec l’Abbaye Saint-Germain, le Centre Pompidou propose une exposition autour des imaginaires botaniques dans l’art. Objet de contemplation et d’interrogation, le monde végétal est un formidable producteur de formes et de récits dont les artistes ont cherché à percer les mystères et les significations. A l’heure des grands bouleversements écologiques, nous sommes conviés à repenser notre rapport à ce dernier et nous demander ce qu’il peut nous apprendre de nous-même.

En dialogue avec l’histoire et les collections de l’Abbaye, ce parcours à travers l’art du XXe et du XXIe siècles, rassemblant photographies, film, sculptures et NFT, invite les visiteurs à s’initier à leur tour aux nouveaux récites de la nature.

50 ans, c’est un bel âge… Mais pas forcément celui de la sagesse ! Le 15 juin 2024, Le Parvis fête ses 50 ans, célébrant ainsi 5 décennies de création tous azimuts.

Pour sa part, le centre d’art contemporain qui en 50 ans a programmé plus de 300 expositions, soufflera ses bougies avec une exposition en mode feed-back et prospective, intitulée Future is now, qui conviera une cinquantaine d’artistes ayant exposé de 1974 à 2024 à revenir sur les lieux du crime !

Le Parvis qui est l’une des premières institutions d’art contemporain à voir le jour en France¹ est également l’une des plus atypiques. Et force est de constater que ces 5 décennies passées n’ont pas entamé l’engouement des artistes et des publics pour ce lieu intrigant, implanté dans un centre commercial et intégré à une scène nationale.

Bien au contraire car aujourd’hui encore, les artistes sont particulièrement inspirés par cette configuration insolite.

Et ce dont témoigne l’exposition Future is now, c’est bien de leur attachement au lieu..., pour que 40, 30 ou 20 ans après, ils décident d’y revenir avec le même plaisir !

Mais cette exposition collective est également une traversée historique et institutionnelle d’un demi-siècle de politiques culturelles, de création et d’expositions en France :

De l’empirisme des débuts et des espaces dits « d’expositions » ou « d’arts plastiques », mais pas encore appelés « contemporains ». Des accrochages « amateurs » sur cimaises brinquebalantes à la naissance des grands mouvements artistiques contemporains. De la décentralisation des lois Lang jusqu’à la prise en compte par les artistes des enjeux politiques et sociétaux. De la liberté qui fut laissée aux créateurs ainsi qu’à un écosystème de l’art balbutiant. Du rejet de la peinture à la promotion de l’art vidéo et du numérique. Aux années qui se recentrèrent sur l’expérience humaine à l’ère pourtant de la dématérialisation et du post-internet. Aux artistes et aux marchés super médiatisés puis au retour à un art conscient de l’autre humain ou non. Et, pour finir, à cette lame de fond que sont les questions de genres et les problématiques écologiques dans la création actuelle. Voilà autant de sujets abordés ou évoqués dans cette exposition des 50 ans, à travers les archives du lieu et les œuvres récentes des artistes invités qui y ont exposé de 1974 à 2024.
 

Avec les œuvres de :

Martine Aballéa . Saâdane Afif . Atelier Van Lieshout . Nils Alix-Tabeling . John M. Armleder . Virginie Barré . Berdaguer & Péjus . Michel Blazy . Bianca Bondi . Céleste Boursier-Mougenot . Xavier Boussiron . Ulla von Brandenburg . Nina Childress . Claude Closky . Delphine Coindet . Caroline Corbasson . Alain Declercq . Damien Deroubaix . Erik Dietman . Mounir Fatmi . Daniel Firman . Dora Garcia . Marco Godinho . Laurent Grasso . Josep Grau-Garriga . Joël Hubaut . Fabrice Hyber . Pierre Joseph . Kapawani Kiwanga . Arnaud Labelle-Rojoux . Bertrand Lavier . Ange Leccia . Jacques Lizène . Philippe Mayaux . Caroline Mesquita . Tania Mouraud . Philippe Quesne . Philippe Ramette . Lionel Sabatté . Bruno Schmeltz . Franck Scurti . Alain Séchas . Djamel Tatah . Barthélémy Toguo . Niek Van de Steeg . Xavier Veilhan . Jean-Luc Verna . Jacques Vieille . Gisèle Vienne . Jerôme Zonder

¹ Le CAPC Bordeaux 1973, Le Centre Georges Pompidou 1977, Le Nouveau Musée, Villeurbanne 1978

Momentum, Konsthall 16, Riksidrottsmuseum, Stockholm, Suède, 31.5–22.9 2024

En 2024, la Fondation Villa Datris explore la vision du corps par 65 artistes, français.es et internationaux.ales. Sujet d’actualité, le corps reste le symbole concret des états d’âmes des femmes et des hommes du monde. Par son titre, l’exposition accueille les représentations de celles et ceux qui font corps tant avec l’esprit qu’avec la matière. Modelé par sa structure, sa vie intérieure, autant que par le regard qu’on lui porte, comment voit-on le corps aujourd’hui ? Depuis le XIXe siècle la représentation du corps « classique » et du nu « idéal » est remise en question, miroitant les mutations profondes de nos sociétés. Plus qu’une exposition de groupe, “faire corps” prend le pouls de la représentation humaine dans ce qu’elle offre de plus actuel, divers et audacieux à travers le regard d’artistes reconnu.es et émergent.es.

La Villa Datris accueille l’installation de 1968 de Niki de Saint Phalle, Last Night I Had a Dream. Sensible et généreuse, les corps de Nanas iconiques s’envolent en 18 bas-reliefs comme le doux et lumineux message des doutes et des joies qui tapissent les rêves. La liberté des symboles et la rondeur des couleurs réactivent sans limite l’univers onirique de l’artiste.

Symbole de pouvoir, de dévotion comme de séduction, outil d’exploration tactile indispensable au travailleur comme à l’artiste, le motif de la main et du gant est ici décliné depuis le XVIe siècle jusqu’à la création contemporaine. À travers un choix d’œuvres issues des collections du musée enrichi de prêts extérieurs, cette exposition thématique propose un éclairage inédit sur les fonctions narratives de la main, tantôt à nu, tantôt gantée. Les dessins, estampes, sculptures, peintures et vidéos rassemblés témoignent de la puissance créatrice et métaphorique des jeux de mains et de leurs accessoires de choix, les gants.

Une exposition sous le commissariat de Philippe Piguet, historien, critique d’art et commissaire indépendant, assisté de Margaux Farron, collaboratrice scientifique

Commissaire d'exposition : Ali Akay.

Le MAC VAL accueille le 4e volet du projet itinérant « Humain Autonome » dont le commissariat est assuré par Marianne Derrien, Sarah Ihler-Meyer et Salim Santa Lucia. 

L’automobile est un objet paradoxal. Si d’aucuns l’adorent, d’autres la vouent aux gémonies. Elle est, à tout le moins, un symbole ambigu, cause et symptôme de bien des crises que nous traversons (économique, sociétale, climatique, philosophique…). Facilitant le déplacement des corps et des marchandises, l’exploration mais aussi la conquête, à la fois instrument de liberté et de contrôle, son utilisation a façonné les paysages, les corps et les esprits. Concentrant de nombreux enjeux économiques, l’auto est un non-lieu, mi privé mi public, une machine à fantasmes et un objet de fétichisme, personnifiée parfois. Ses chaines de production, ses systèmes d’exploitation, le lien avec les énergies fossiles, ses mythes, ses impensés sont ici analysés, déconstruits, repris et retournés par les artistes de l’exposition. 

Depuis 2020, le cycle d’expositions « Humain Autonome » a donné lieu à plusieurs occurrences mêlant expositions, projections, ateliers, performances au Frac Normandie à Caen (« À 2000 tours minutes » et « Joyridin’ ») à La Condition Publique à Roubaix (« Fossiles mécaniques ») dans le cadre de la Triennale Art et Industrie en collaboration avec le Centre Pompidou et le CNAP-Centre national des arts plastiques et aux Ateliers Le Wonder (« Prélude ») à Clichy (92) pour la Nuit Blanche. 

Avec les oeuvres de A.K. Burns, Alain Bublex, Alessandro Balteo-Yazbeck & Media Farzin, Alexandra Bircken, Andrea Zittel, Anita Molinero, Antoine Nessi, Atelier Van Lieshout, Bill Owens, Blair Thurman, BP, Cady Noland, Delphine Reist, Diego Bianchi, Ed Ruscha, François Dufeil, Frieda Toranzo Jaeger, Hans Haacke, 

Hugo Vessiler-Fonfreide, Julie Hascoët, Kristina Solomoukha, Laurent Faulon, Lothar Baumgarten, Lucie Stahl, Malala Andrialavidrazana, Marcel Devillers, Mark Leckey, Mark Lombardi, Martha Rosler, Mathis Altmann, Matthew Angelo Harrisson, Michael Sailstorfer, Mohamed Bourouissa, Monira Al Qadiri, O. Winston Link, Peter Buggenhout, Piero Gilardi, Randa Maroufi, Sara Sadik, Serge Lhermitte, Sophie Ristelhueber, Stéphanie Cherpin, Suzanne Husky, Tania Mouraud, Taryn Simon, Thomas Bayrle, Thomas Teurlai, Tobias Zielony, Willy Ronis. 

Commissariat général Nicolas Surlapierre Commissariat Marianne Derrien, Sarah Ihler-Meyer, Salim Santa Lucia Commissariat associé Frank Lamy 

La Fondation François Schneider présente pour la période estivale, une exposition temporaire intitulée « Aqua Terra » mettant en avant la céramique contemporaine à travers le travail sculptural de 32 artistes céramistes.
« Aqua Terra » offre l’opportunité de plonger dans un monde à la fois tangible et fantastique, où l’imagination est libérée grâce à la magie de la céramique. Structurée en six parties, l’exposition dévoile différents univers en lien avec le monde aquatique, transportant le visiteur de la plage ensoleillée à l’horizon marin, des régions polaires aux profondeurs de l’océan. Les artistes ont exploré toutes les manifestations de l’eau, qu’il s’agisse de la beauté des icebergs flottants dans les océans ou de la vie sous-marine avec ses coraux colorés et ses animaux marins.
Les sculptures en céramique permettent de représenter de manière saisissante ces différentes sources d’inspiration autour de l’eau, tout en transmettant sa fragilité et sa délicatesse en tant qu’écosystème précieux.

Commissaire de l’exposition :
Sarah Guilain, chargée des projets artistiques et de la collection

Commissaire d'exposition : Jisue Byun

Camila Oliveira Fairclough poursuit un travail de peinture. Ses peintures « se composent d’éléments divers empruntés au quotidien : de choses concrètes, de choses abstraites, de sons suggérés ou transformés en images et de la réappropriation d’images. Et pourtant, la peinture de Camila n’est pas à être lue ou à être décryptée pour être comprise, elle rejoint sans doute en cela le domaine de la poésie. L’artiste vit et peint à Paris. Ce sont les images croisées dans la ville et dans son quotidien qui sont à l’origine de ses œuvres. »

Elle présente ici une série de neuf toiles réalisées à partir de patrons en papier représentant des dessins (bouquets de fleurs, sirène ou simples formes géométriques) à reproduire grandeur nature d’où le titre éponyme de l’exposition. Mêlant différentes techniques et procédant à des collages sur la toile, l’ensemble navigue entre abstraction et poésie !

Leaps of Faith
March 31–August 25, 2024

Modern Western art carries a religious legacy even if its primary purpose isn’t religious. The influence of religion is evident in the symbolism of art and the unique status attributed to artworks. Art like religion can connect realms: the material to the spiritual, the earthly to the transcendent, and the finite to the infinite. Its religious roots are never lurking far from the surface.

Leaps of Faith explores the relationship between faith and contemporary art. How do we navigate the uncertainties of life? What gives us structure and comfort? For many artists, the significance of faith extends beyond its religious meaning. Faith is about our relationship to the unknown and the unknowable; about doubt and conviction; about what you cannot know but perhaps can feel. In this sense, faith—like art—represents a leap into the unknown.

Participating artists: Igshaan Adams, Francis Alÿs, David Bernstein, Peter Buggenhout, Justin Caguiat, Berlinde De Bruyckere, Edith Dekyndt, Kira Freije, Theaster Gates, Daan Gielis, Peter Hujar, Kris Martin, Sophie Nys, Antonio Obá, Namsal Siedlecki, Paul Thek, Danh Võ, Cathy Wilkes.

Curator: Tim Roerig

RAVALEMENT DE FAÇADE
Too much is not Enough
Exposition haute-en-couleur, pensée comme un pied-de-nez à la bienséance et au bon goût,
Ravalement de façade s’amuse de ce magma qu’on appelle identité.
Matière fluctuante, imprécise, elle devient ici par le jeu et l’audace ; plurielle,
choisie, sans concession, puissante ouverture sur le monde…
Jouer de son image, s’en emparer, voilà ce qui nous intéresse.

Avec Grégoire Alexandre, Marion Auburtin, Carla Barkatz,
Mike Boursheid, Christophe Brunnquell, Nina Childress,
Beth Frey, Anaïs Gauthier, Arthur Hoffmann, Antony Huchette,
Gil Lesage, Jess Mac Cormak, Sarah Olivier, Nina Orliange,
Aude Perrier, Laurent Poleo-Garnier, Marilou Poncin, Maroussia Rebecq,
Christine Rebet, Caroline Rennequin, Mika Rottenberg

Source : https://www.hyperbien-galerie.com/expositions/ravalement-de-facade/

WE DO NOT WORK ALONE présente du 16 novembre au 23 décembre les céramiques de dix-sept artistes : Sylvie Auvray, Sophie de Bayser, Sandra Berrebi, Florian Bézu, Elvire Bonduelle, Matthieu Cossé, Morgan Courtois, Sébastien Gouju, Superpoly, Jacent, A&F Lamarche-Ovize, Matthew Lutz- Kinoy, Maximilien Pellet, Mai-Thu Perret, Lei Saito, Natsuko Uchino et Zoe Williams.

Assiettes, bols et tasses, plats, carreaux, patères, dessous de plat, vases, jeux, presse-papiers, porte-couteaux, jardinières et pots à partir de 100€, ces pièces uniques sont pour la plupart inédites ! 

 

Du 16 novembre au 23 décembre
du mardi au samedi, de 11h à 18h

au 58 rue du Vertbois, 75003 Paris
 

Depuis que l’humanité fabrique des outils, elle les conçoit à l’image de notre corps. Ils la complètent, en accentuant son efficacité, sa puissance, sa précision ou sa vitesse. La structure même de la machine est fondamentalement organique : une énergie est transformée par un réseau complexe de circuits, de fluides, d’émetteurs et de récepteurs (sang ou graisse, nerfs ou câbles, muscles ou rouages). Pourtant il semble qu’à mesure de son perfectionnement et de la diversification de ses actions, frontières et influences mutuelles se troublent et se chevauchent.

[…] Corpus Machina réunit douze photographes qui interrogent la nature et les causes de ces porosités à travers un médium lui-même en conflit perpétuel entre sa nature mécanique et sa portée émotionnelle : la photographie. Réunis dans les espaces du Consulat Voltaire, les travaux de ces photographes forment un corpus qui refuse la frontière et s’ouvre à la richesse du trouble. Entre le froid du métal et la chaleur d’une peau résonne la construction des désirs, des peurs et des fantasmes qui définissent les nouveaux enjeux de nos rapports au monde et à la technique.

Avec :

Paul Youenn
Eliott Vallin
Albane Durand-Viel
Alix Marie
Ellen Ole
Jean-Vincent Simonet 
Marilou Poncin
Mathilde Soares-Pereira 
Nora Hebir
Quentin Fromont
Thaddé Comar
Yolane Rais

Source : https://www.leconsulat.org/events/corpus-machina-exposition/

Avec les oeuvres de : Scoli ACOSTA, Patxi BERGÉ, Bill CULBERT, Tom DRAHOS, Babeth RAMBAULT.

Collections du Frac-Artothèque Nouvelle-Aquitaine

Opération réalisée par le Frac-Artothèque Nouvelle-Aquitaine pour le FACLim, en partenariat avec la Communauté de communes Xaintrie Val’Dordogne et Peuple et Culture, relais-artothèque pour la Corrèze.

Source : https://www.fracartothequenouvelleaquitaine.fr/index.php/les-expositions/argentat

Commissaires : Jade Barget, Daisy Lambert, Camille Martin, Céline Poulin & Elsa Vettier

Pour les 40 ans des Frac, il s’agit à la fois de repenser l’histoire de l’institution, écrite notamment par le biais de sa collection, et de tendre vers des futurs communs et désirables.

L’exposition Gunaikeîon invite plusieurs commissaires à écrire leur propre récit à partir des œuvres de la collection et dans la rencontre avec d’autres œuvres invitées. Traditionnellement, le gunaikeîon était l’appartement, dans les maisons grecques et romaines, où les femmes passaient la plupart de leur temps et qui se situait à l’écart, afin qu’elles n’aient aucun contact direct avec la rue. Avec cette exposition, il s’agit au contraire d’ouvrir les espaces des Réserves du Frac et de la Chaufferie de la Fondation Fiminco aux quartiers alentours et aux bruits du monde. L’exposition se déploie en plusieurs chapitres où les commissaires proposent une actualisation de la collection à l’aune de leurs obsessions respectives, ancrées dans la société contemporaine.

Avec les œuvres de : Ismaïl Alaoui Fdili, Pierre Allain, Marie Angeletti, Luisa Ardila Camacho, Fabienne Audéoud, Azzeazy, Andrés Baron, Eva Barto, Éric Baudelaire, Safouane Ben Slama, Abdelhak Benallou, Adam Bilardi, Jean-Luc Blanc, Andrea Blum, Sophie Bonnet-Pourpet, Katharina Bosse, Ulla von Brandenburg, Stéphanie Brossard, Dora Budor, Victor Burgin, A.K. Burns, Laura Burucoa (en collaboration avec Shveta Lebonheur, Sara Bouazzaoui, Yasmine Kicha), Bruno Carbonnet, Tom Cazin, Ève Gabriel Chabanon, Nina Childress, Rina Cho & Nozomu Matsumoto, Claude Closky, Lynne Cohen, Mathis Collins, Éric Corne, Bady Dalloul, Fred Deux, Livia Deville, Inès Di Folco, Lana Duval, Xiao Fan, Sylvie Fanchon, Jenny Gage, Lola Gonzàlez, Laurent Grasso, Renée Green, Wiame Haddad, Shuo Hao, Tirdad Hashemi / Soufia Erfanian, Pati Hill, Mayssa Jaoudat, Nanna Kaiser, Atiéna R. Kilfa, Kapwani Kiwanga, Pierre Klossowski, Nile Koetting, Byong Jin Koh, Sasha Litvintseva & Beny Wagner, Ken Lum, Mira Mann, Mélanie Matranga, Ad Minoliti, Arash Nassiri, Jürgen Nefzger, Josèfa Ntjam, Anouchka Oler Nussbaum, Nygel Panasco, Yuri Pattison, Bruno Persat, Émilie Pitoiset, Agnieszka Polska, Philippe Poupet, Marie Preston, Richard Prince, Alex Quicho, Harilay Rabenjamina, Pipilotti Rist, Johanna Rocard, Liv Schulman, Bruno Serralongue, Chloé Serre, Shimabuku, Cally Spooner, P. Staff, Wolfgang Tillmans, Lauren Tortil, Didier Trenet, Michael Van Den Abeele, Sophie Varin, Yuyan Wang, Rehana Zaman & Liverpool Black Women Filmmakers.

Source : https://www.fraciledefrance.com/40-ans-du-frac-gunaikeion/

Durant l’automne-hiver 2023-2024, le Frac MÉCA accueille "Parler avec elles", une exposition conçue par l’artiste Émilie Parendeau qui réunit une cinquantaine d’œuvres, dont une quarantaine provenant de la collection du Frac, un ensemble de peintures de Claude Rutault, en même temps qu’elle accueille des propositions créées spécifiquement pour l’occasion par Florence Jung, Delphine Reist, et Davide-Christelle Sanvee.

Le projet imaginé par Émilie Parendeau s’intéresse aux processus de fabrication de l’œuvre d’art et souhaite attirer notre attention sur le travail inhérent à son exposition.

Lorsqu’une création ne peut être conservée dans son état originel dans les réserves d’une collection, l’artiste accompagne le contrat de vente d’une série de documents (consignes, photographies, plans de montage…) qui permettent de reconstruire l’œuvre au plus près de sa forme initiale. Émilie Parendeau mène depuis de longues années un travail de réflexion sur un ensemble de points, voire de problèmes, que soulèvent les œuvres reposant sur des protocoles, car celles-ci nécessitent un travail pour être exposées, un travail de documentation, de compréhension, de lecture et, inévitablement, d’interprétation. Si toutes les œuvres impliquent quelque chose à accomplir au moment de leur présentation, elles partagent un point commun, la nécessité que quelqu’un les mette concrètement en œuvre.
L’artiste a ainsi choisi de faire dialoguer les œuvres du peintre Claude Rutault, qui a fait de la délégation un principe de travail laissant à la personne qui souhaite voir sa peinture le soin de la réaliser, avec un ensemble d’œuvres du Frac, rarement montrées, notamment CLOM TROK (blanc) de Joël Hubaut qui sera activé sur trois week-ends de novembre à décembre.
Émilie Parendeau a également souhaité collaborer avec trois artistes. Florence Jung, Delphine Reist et Davide-Christelle Sanvee se sont vu proposer de produire chacune une oeuvre dans le cadre de cette exposition.

S’il s’agit bien pour Émilie Parendeau de parler avec elles – les œuvres, il s’agit aussi de créer un espace partagé et de composer une exposition avec toutes celles et ceux qui concrètement la fabriquent.

Cette exposition s’inscrit dans le cadre du 40e anniversaire du Frac MÉCA, et d’une coécriture de projets variés consacrée à la « Fabrique de l’art » et initiée par le Frac, à Bordeaux et en région. Des projets qui s‘intéressent aux fondements de la création, du côté du « faire », des savoirs faire et de la transmission.

Source : https://fracnouvelleaquitaine-meca.fr/evenement/parler-avec-elles/