La nouvelle exposition des collections du Musée régional d’art contemporain Occitanie emprunte son titre ALLONS à une peinture murale de l’artiste MCMitout. Cette injonction peut exprimer à la fois la consolation, l’affection, l’encouragement, l’agacement ou encore l’impatience. Ce mot - aux multiples entrées - a permis de rassembler et de faire dialoguer, dans ce nouvel accrochage des collections, des œuvres de plus de 40 artistes.
Dans cette exposition, le regard est porté sur des artistes dont les propositions font écho aux interrogations contemporaines, qu’elles soient écologiques, politiques ou poétiques. Ces artistes entretiennent un rapport au présent, tout en ouvrant des horizons permettant la construction d’un espace commun.

Comme chaque année, c’est l’occasion pour le Mrac de renouveler entièrement son accrochage pour proposer une nouvelle variation à partir de son fonds aujourd’hui constitué de plus de 710 œuvres. Plusieurs acquisitions récentes sont dévoilées à travers un parcours qui offre un dialogue entre des œuvres d’artistes de générations différentes pour permettre un nouveau regard sur les collections du musée. L’accrochage ne répond pas à des données chronologiques mais convoque des rapprochements formels, stylistiques ou esthétiques avec une diversité de techniques (peintures, dessins, photographies, vidéo, sculptures, installations…), permettant de découvrir des artistes phares de la scène contemporaine.

La Bibliothèque nationale de France propose la première grande exposition consacrée à l’apocalypse. L’apocalypse ? Un mot obscur, qui fait peur, un mot qui parle de la fin du monde. Il n’en finit pas de résonner depuis deux mille ans dans notre culture et nos sociétés occidentales quand survient une catastrophe majeure, et aujourd’hui encore, en fond de nos angoisses climatiques. Et pourtant… Ce mot signifie révélation, dévoilement. Dans sa source biblique, l’Apocalypse parle d’un voile se levant sur le royaume intemporel qui réunira les croyants dans la Jérusalem céleste. Un mot porteur d’espoir, fait pour déjouer nos peurs profondes ?

Commissariat général : Jeanne Brun, directrice adjointe du Musée national d’Art moderne - Centre Pompidou en charge des collections, avec la collaboration de Pauline Créteur, chargée de recherche auprès de la directrice adjointe du Musée national d’Art moderne - Centre Pompidou

Commissariat : François Angelier, journaliste et essayiste. Charlotte Denoël, cheffe du service des Manuscrits médiévaux, département des Manuscrits, BnF. Lucie Mailland, cheffe du service Philosophie, religion, département Philosophie Histoire Sciences de l’homme, BnF

The FLAG Art Foundation is pleased to present A Rose Is, an expansive group exhibition centering on Cy Twombly’s monumental, four-part painting The Rose III, 2008, which combines colossal roses, exploding in full bloom, alongside text fragments from Austrian poet Rainer Maria Rilke’s “The Roses.” A conflation of painting and poetry, the Twombly forms the jump-off point for an exhibition that explores abstraction, poetics, language, and the iconography and mythology of the rose. Artists include Polly Apfelbaum, Arakawa & Madeline Gins, Genesis Belanger, Joe Brainard, Louise Bourgeois, James Lee Byars, Pier Paolo Calzolari, Ann Craven, Sara Cwynar, Alex Da Corte, Jay DeFeo, Ethyl Eichelberger, Awol Erizku, Cerith Wynn Evans, Tony Feher, Allison Janae Hamilton, Gabriella Hirst, Peter Hujar, John Jarboe, Anna Jermolaewa, Sarah Jones, Anselm Kiefer, Lee Krasner, Dr. Lakra, George Platt Lynes, Robert Mapplethorpe, Nicolas Party, Irving Penn, Kay Rosen, James Rosenquist, Taryn Simon, Charles Sheeler, Kiki Smith, Haim Steinbach, Andy Warhol, among others.

Réunissant des œuvres de la collection du Frac Normandie et d’artistes invité·es, l’exposition In the Mood... repose sur l’idée d’un «défilé» d’œuvres qui insufflent une présence certaine dans la déambulation. Outre cette présence toute en légèreté qui habite une partie de l’exposition marquée par des jeux de jambes multiples, clin d’œil à la publicité des collants Dim « Toutes des Marylin » des années 70, des ambiances tout aussi glamour qu’inquiétantes livrent une vision désenchantée des corps et de ces artifices.

Le titre «In the Mood...» (de bonne humeur) donne le ton à cette exposition toute en mouvement et rythmée au swing des années 40 et aux diverses entrées cinématographiques.

Avec les œuvres de Farah Atassi, Michel Aubry, Anabelle Hulaut, Virginie Barré, Sarah Benslimane, Delphine Coindet, Hugo Capron, Ligia Dias, Charlotte Delval, Diane Gaignoux, Véronique Joumard, Jean-Claude Mattrat, Mrzyk & Moriceau, Pauline Boudry / Renate Lorenz, Bernard Quesniaux, Chloé Royer, Hans Schabus, Marnie Weber.

Le Magasin CNAC est heureux d'annoncer la programmation de l'exposition collective « Good Service, Good Performance » rassemblant des œuvres issues de la collection de l'IAC - Institut d'art contemporain, Villeurbanne/Rhône-Alpes, une institution proche du Magasin CNAC tant par sa géographie que par son histoire et ses missions.

Parmi ces œuvres, datant de 1988 à aujourd'hui, le film de Pipilotti Rist (Entlastungen) Pipilottis Fehler (1988) donne son titre à l’exposition – Good service, good performance [Bon service, bonne performance] – traduction du texte en allemand récité par l’artiste à l’écran. L’écroulement du corps face à la défaillance d’un système est un thème central de cet œuvre, et donne le ton au reste de l’exposition. Les œuvres articulent ce rapport au devoir de performance dans notre société contemporaine, ainsi que le refus des corps – féminins – face à cette injonction à la (re)productivité, et interrogent notre rapport au futur. Dans ce groupement, transparaît alors également la place du langage, sa performativité, dans un contexte conditionné par la violence environnante et systémique.

Avec les œuvres de Mimosa Echard, Latifa Echakhch, Hans Haacke, Hiwa K, Stéphanie Nava, Pipilotti Rist, Carey Young, Gillian Wearing Wang Du, des artistes de Utopia Station, et de Anne Le Troter artiste invitée tout spécialement dans ce contexte.

Commissariat Céline Kopp, assistée de Alexia Pierre

En partenariat avec
l'IAC - Institut d'art contemporain, Villeurbanne/Rhône-Alpes

Chronique d’une exposition
Les 20 ans du MAC VAL, un anniversaire visionnaire

Il y a 20 ans, le MAC VAL ouvrait ses portes. L’anniversaire du musée représente l’occasion de confirmer la qualité d’un patrimoine, preuve d’une sédimentation experte et remarquable de plus de 40 ans d’acquisitions pour une collection unique. C’est aussi l’occasion de réaffirmer l’expression d’un musée renouvelé et ouvert sur l’avenir.
Le nouvel accrochage est le résultat d’un large commissariat partagé : la sélection des œuvres offerte au regard du public a été conçue de façon inédite et collégiale avec l’ensemble des équipes du musée.
Régulièrement réunis en ateliers, les propositions, choix, débats et sélections ont fusé, tempêté, réjouis et finalement été consentis. Les visiteuses et visiteurs auront donc la joie de découvrir ou de redécouvrir des œuvres symboliques de la collection. Le parcours se veut ainsi être un appel aux souvenirs, émotions et découvertes que toutes et tous avons pu partager en 20 ans de vie au MAC VAL.

Née d’une politique départementale de soutien aux artistes mise en œuvre dès 1982, la collection du MAC VAL a pour singularité « l’art contemporain en France depuis les années 1950 ». La collection s’est dotée au fil des années d’un unique et fort caractère permettant la rencontre d’artistes incontournables et émergents. Cette dernière est présentée de façon renouvelée tous les 18 mois environ : une manière de redécouvrir les œuvres dans une thématique, un contexte et une approche actualisés.
Au printemps 2025, le MAC VAL imagine un parcours consacré à la hiérarchie des genres et aborde cette vaste thématique à travers le prisme d’œuvres issues de la collection du musée. En 1667, l’historien de l’art André Félibien pose la hiérarchie des genres dans la préface de ses Conférences de l’Académie Royale de peinture et de sculpture. Il instruit les préceptes qui régiront la peinture académique et instaure par là même l’idée de genres nobles et de sous-genres où le sujet prime sur la maîtrise technique ou la facture.
Le parcours « Le genre idéal. En principe, une tentative d’épuisement » aborde avec espièglerie chacun des cinq genres de cette hiérarchie : la peinture d’histoire, le portrait, la scène de genre, le paysage et la nature morte.

Commissariat Nicolas Surlapierre
Co-commissariat Yuan-Chih Cheng, Anaïs Linares, Margaut Segui et toutes les équipes du MAC VAL

À l’occasion de la donation par la fondation Antoine de Galbert de la collection Jean Chatelus au Centre Pompidou, le Musée national d’art moderne présente cet ensemble d’œuvres exceptionnel réuni tout au long de sa vie avec passion et curiosité. Rassemblant près de quatre cents pièces – sculptures, installations, peintures, photographies, dessins, objets votifs et vernaculaires – reflétant des esthétiques comme des voix diverses, l’exposition met l’accent sur la poétique de la ruine, la décomposition organique, l’interdit, ou encore le spectre apocalyptique qui témoignent des obsessions du collectionneur.

La présentation d’une partie de sa collection au Musée d’art moderne de la ville de Paris à l’occasion de l’exposition « Passions Privées » puis au sein de « L’intime, le collectionneur derrière la porte », exposition inaugurale de La Maison rouge en 2004, ont su donner un aperçu de l’ampleur de sa collection qui se déployait dans un accrochage dense, hétérogène et anti-rhétorique dans ses appartements.

Pour rendre hommage à cette vision hors du commun et révéler la singularité de ce cabinet de curiosités du 20e siècle, l’exposition « Énormément bizarre » se propose de montrer la quasi totalité de la donation à travers une approche anachronique privilégiant les associations libres. Certains espaces de son habitation sont reconstruits à l’identique pour permettre au public de plonger dans son univers, tandis que d’autres sont restitués de manière plus muséale tout en tenant compte de sa vision. La donation, importante par sa taille, sa valeur historique et son étrangeté, emprunte le titre de son exposition à l’expression utilisée par Wim Delvoye, l’un des artistes les plus représentés dans cet ensemble, dans un témoignage de son passage chez le collectionneur.

Décédé le 6 juillet 2021 à l’âge de 82 ans, Jean Chatelus, d’origine lyonnaise, agrégé d’histoire et maître de conférences à la Sorbonne, a réuni au cours de sa vie une collection unique, insoumise au goût dominant. Il se disait « accumulateur » plus que collectionneur. Chez lui, les œuvres de Cindy Sherman, Mike Kelley, Christian Boltanski, Yayoi Kusama, Michel Journiac, Daniel Spoerri, Robert Filliou, Nam June Paik, Joana Vasconcelos ou encore Andres Serrano se sont peu à peu immiscées au milieu de pièces d’art extra-occidental, et d’objets issus de traditions populaires. Les œuvres surréalistes avec lesquelles il débute sa collection lui laissent le goût des objets détournés. Elles sont rapidement remplacées par des œuvres de l’art corporel, l’un des mouvements les plus représentés au sein de la collection. Outre celle du corps, les thématiques de la mort et du caractère éphémère de la vie imprègnent ces œuvres. Son regard pointu et son extrême liberté l’ont amené à s’entourer des travaux de plusieurs artistes outsider et d’« enfants terribles ». Parallèlement, il a cultivé un grand intérêt pour les objets ethnographiques de plusieurs cultures, notamment de l’Afrique subsaharienne et du golfe de Guinée, témoignant d’une vive curiosité pour les artefacts de multiples croyances.  

L’exposition conçue par la fondation Antoine de Galbert, Annalisa Rimmaudo et Xavier Rey s’accompagne d’un documentaire réalisé par Alyssa Verbizh et d’un catalogue co-édité par Empire et la fondation.

La Poste et le temps ont tissé une histoire singulière au fil des siècles et, par de nombreux aspects, méconnue. Cette nouvelle exposition en explore les multiples dimensions au travers d’objets postaux qui, mis en dialogue avec des œuvres d’artistes contemporains, propulse le visiteur dans un vertigineux voyage, historique, artistique et imaginaire, au cœur du temps.

La Poste, par son histoire, par son activité même, est inextricablement liée à la notion de temps et depuis des siècles, elle joue un rôle déterminant dans la mesure et la gestion du temps. Dès 1839, l’administration postale, dont l’activité était impactée par la désynchronisation des horaires d’une commune à une autre, obtient du ministère de l’Intérieur qu’il impose le réglage des horloges communales selon des tables fournies par le Bureau des Longitudes, établissant ainsi les premiers jalons d’un « temps national » partagé. L’essor du chemin de fer au milieu du XIXe siècle renforce encore le besoin d’une heure unique sur tout le territoire, et c’est le télégraphe qui permettra de synchroniser toutes les horloges publiques sur l’heure de l’Observatoire de Paris. Ces avancées techniques traduisent un défi constant pour La Poste : fournir un service rapide, fiable et précis. À travers l’uniformisation des heures et l’intégration des nouvelles technologies, La Poste s’impose non seulement comme un des acteurs clés de l’harmonisation temporelle, mais aussi comme une institution profondément ancrée dans les transformations sociétales.
C’est cette relation avec le temps que le Musée de La Poste a décidé de mettre à l’honneur à travers l’exposition La fabrique du temps. Pour explorer cette thématique, le musée a puisé dans ses ressources et dans différents fonds. Au total, plus d’une centaine de pièces sont présentées au public. Ainsi, au fil de sa visite, chacun aura le loisir d’admirer de remarquables objets (pendule de voyage de la fin du XVIIIe siècle, montre de malle-poste de 1850), des photographies historiques (de 1887 à aujourd’hui), des pièces de marcophilie et de philatélie (timbre à date, cachets, plis…) et d’autres artefacts (parmi lesquels une cinquantaine d’almanachs du début du XVIIIe siècle à nos jours).
Tous ces trésors et ces curiosités seront mis en dialogue avec des œuvres d’art contemporain qui abordent la mesure du temps et apportent ainsi une lecture vivante et renouvelée des objets patrimoniaux. À travers une scénographie inspirante, une cinquantaine d’œuvres d’art de divers formats - vidéos, photographies, installations, objets, sculptures… - interrogeront notre perception du temps tout en offrant une perspective poétique, philosophique et parfois même humoristique sur cette thématique.

TEXT ME brings together the work of twelve visual artists who wield text to captivate, seduce, provoke, and connect. From melancholic to biting, chaotic to controlled, and poignant to irreverent, these works take on an added intensity in today’s deeply unsettling and uncertain times.

En 2000, Stefan Brüggemann commence Show Titles, une liste iconoclaste et sans fin de titres d’exposition offerts à la libre disposition de tous par l’artiste − qui impose seulement le recours à l’Arial Black en majuscule et ne demande qu’à apparaître dans la liste des artistes et des œuvres montrés.

Se situant entre dadaïsme et art conceptuel, références historiques que Brüggemann aime à citer, voici un court échantillon, parmi plus de 800 titres disponibles, permettant de confirmer cet heritage : « The New conceptualists », « Unconceptual », « Post- invisible », « Intellectual disaster », « Why didn’t you make it larger ? », « Why didn’t you make it smaller? », « Don’t read books », « Stolen thoughts », « Already made », « Smart punk », « Art at the age of extinction », « Continually revealing multiple routes of entry and exit », « Things on the wall », « Make art without hands », « When I shit I look at Andy Warhol’s books », « Unproductivism », « Bad conceptual artist », «Super conceptual pop ». À travers cette liste se dessine, sur un mode résolument humoristique, une manière de portrait de l’artiste. Dadaïste et conceptuel ? Peut-être. Mais officiellement, pop et conceptuel − et même, pour reprendre la formule de Brüggemann, « twisted conceptual pop ». L’exposition « Super conceptual pop » prend comme point de départ l’un des Show titles éponyme de Bruggemann pour défendre un nouveau chapitre, tordu, des rapports entre les esthétiques conceptuel et pop dans la création contemporaine. À travers les œuvres de Pierre Bismuth, Martin Creed, Camila Fairclough, Bertrand Lavier, Jonathan Monk, Elsa Werth, parmi d’autres, cette torsion offre une approche inédite de l’art conceptuel, qui s’attache tout à la fois à célébrer une forme de nihilisme, souvenir de Dada, et à s’exhiber dans le royaume de l’amusement et de la marchandise. Un conceptualisme joyeux !

Marjolaine Lévy

avec

Pierre Bismuth, Stefan Brüggemann, Delphine Coindet, Martin Creed, François Curlet, Camila Oliveira Fairclough, Cristina Garrido, Bertrand Lavier, Leo Luccioni, Josep Maynou, Dan McCarthy, Jonathan Monk, Franck Scurti, Yann Sérandour, Walter Swennen, Elsa Werth, Léon Wuidar, Yue Yuan

Commissaire

Marjolaine Lévy

Où sommes-nous ?

Que se passe-t-il lorsque le familier devient soudainement étrange ? Dans Où sommes-nous ?, certains des artistes contemporains les plus intéressants et significatifs de Suède se rassemblent pour explorer l'incertitude et l'ambiguïté qui définissent notre époque. À travers la peinture, la sculpture, la photographie et l'installation, ils créent des œuvres qui révèlent les traces – parfois évidentes, parfois à peine perceptibles – qui façonnent notre expérience du monde.

L'exposition met en lumière le sentiment de malaise dans un monde en transformation, avec un accent particulier sur la rupture d'un ordre autrefois stable. Le terme de l'uncanny, Unheimliche, désigne un état où le familier devient étrange, et ce que nous pensions reconnaître se transforme en quelque chose d'autre. À une époque où l'histoire resurgit de manière inattendue, des fissures apparaissent dans notre compréhension du présent. Que se cache-t-il sous la surface ? Que voyons-nous – et que ne voyons-nous pas ?

Où sommes-nous ? poursuit l'exploration de l'énigmatique et de l'insaisissable à travers les perspectives d'artistes contemporains sur un monde en perpétuel changement, où la frontière entre le réel et l'irréel est en constante évolution. Ici, nous rencontrons un art qui non seulement reflète le présent, mais qui remet également en question notre perception de celui-ci.

Au printemps et à l'été 2025, Où sommes-nous ? sera présentée aux côtés de la grande exposition de Dick Bengtsson au Sven-Harrys Konstmuseum, un artiste dont l'œuvre naviguait sans cesse entre l'ambiguïté et les multiples couches de significations.

Artistes participants :
Cecilia Edefalk, Salad Hilowle, Dimen Hama Abdulla, Charlotta Hammar, Henrik Samuelsson, Karin Mamma Andersson, Lotta Antonsson, Jens Fänge, Leif Elggren, Niki Lindroth von Bahr, Jakob Solgren Nordenskiöld, Per Enoksson et Tobias Bradford.

« Le dessin est le premier art de l’enfance. Il est aussi le premier art connu de nos ancêtres préhistoriques. Longtemps déconsidéré au profit de la peinture et mis à l’écart, il revient en force depuis quelques années dans l’apprentissage des Beaux-Arts, dans les galeries et les musées. Il était temps d’offrir à cet art une pleine dimension et de lui dédier un festival annuel, à la fois populaire et exigeant, simplement intitulé Festival du Dessin. »

FRÉDÉRIC PAJAK, directeur artistique

* * *

Créé à Arles à l’initiative de Vera Michalski (Présidente du groupe éditorial Libella, fondatrice de la Fondation Jan Michalski) et de Frédéric Pajak (écrivain, dessinateur, directeur de la maison d’édition Les Cahiers dessinés), le Festival du Dessin a pour ambition de dévoiler toutes les facettes de cet art resté longtemps méconnu en faisant dialoguer le dessin d’art, le dessin d’humour et de presse, le dessin d’art brut et les dessins parallèles, à savoir ceux de sculpteurs, d’architectes, d’écrivains, de poètes, de cinéastes, de chefs gastronomiques ou encore de grandes figures de la mode. Au printemps dernier, la deuxième édition du festival a comptabilisé 141.000 entrées.

Sa troisième édition, qui se tiendra à Arles DU 12 AVRIL AU 11 MAI 2025, aura pour tête d’affiche Jean-Michel Folon. Une centaine de dessins révèlera l’étonnante polyphonie de cet artiste aussi inclassable qu’immédiatement reconnaissable, qui, en quelques traits, montre toute l’absurdité de la guerre, le saccage des forêts, l’invasion des machines, mais aussi la mystérieuse et somptueuse harmonie du monde.

Autour de sa figure emblématique, les diverses facettes de l’art du dessin seront mises en lumière à travers une quarantaine d’artistes, dont Jean-Baptiste Camille Corot, Nadia Léger, Annette Messager, Alan Vega, Bram van Velde, Ossip Zadkine, mais aussi au biais d’expositions thématiques inédites qui constituent la nouveauté de cette année : une grande exposition à la gloire du dessin d’humour, une sélection exceptionnelle d’estampes japonaises provenant des Collections de la Bibliothèque nationale de France, une exposition de dessins dédiés à l’art culinaire ou encore 150 dessins de la prestigieuse Collection Antoine de Galbert. Une attention particulière sera portée aux jeunes générations, avec, notamment, les œuvres d’une cinquantaine d’étudiants des Écoles des arts décoratifs de Paris, Bruxelles et Varsovie. Enfin, entre autres surprises, les visiteurs pourront découvrir les dessins de Jean Moulin, aspect à ce jour méconnu de ce grand nom de l’histoire nationale. Comme pour les éditions précédentes, les expositions offriront une belle occasion de voir et revoir les lieux emblématiques d’Arles : le palais de l’Archevêché, la chapelle du Museon Arlaten – musée de Provence, le musée Réattu, le musée départemental Arles antique, l’église Sainte-Anne, la Fondation Manuel Rivera-Ortiz, Lee Ufan Arles...

Des débats, des rencontres, des visites guidées, des ateliers, des projections de films et des concerts ponctueront cette édition sur toute sa durée, faisant d’elle l’un des rendez-vous culturels et festifs incontournables du printemps 2025.

From April 13 to October 5, 2025, the Langen Foundation in Neuss will present an extensive selection of works from the Swiss Ringier Collection, marking its first major exhibition in Germany. Curated by Beatrix Ruf and artist Wade Guyton, the exhibition features approximately 500 works, offering an overview of one of the most relevant collections of contemporary art. Spanning works from the late 1960s to the present day, it documents Michael Ringier’s 30 years as a collector and key developments in the art world.

Titled Drawing, Painting, Sculpture, Photography, Film, Video, Sound, the exhibition showcases works across nearly all forms of artistic media. Together, these pieces form a rich and layered portrait of Michael Ringier, a Swiss publisher and media entrepreneur, whose collection of art is deeply intertwined with his personal and professional life, as well as the identity of Ringier, a media company active in 19 countries across Europe and Africa.

Ringier’s integration of art into its corporate culture is a defining characteristic of the company. Since 1997, the company has invited international artists to design its annual reports, granting them complete creative freedom. These collaborations have resulted in creative and intelligent explorations of the role of a media publisher today and its engagement with audiences. Renowned artists including Fischli/Weiss, Maurizio Cattelan, and Sylvie Fleury have contributed to these reports, as has Wade Guyton, whose report featured a one-to-one reproduction of one of his paintings printed in high-resolution detail across hundreds of pages. When compiled, these pages recreate the work in its original dimensions.

The exhibition's subversive title highlights how traditional artistic media continues to inspire new interpretations—both by challenging their conventional boundaries and through intentional artistic ambiguity. Drawing, Painting, Sculpture, Photography, Film, Video, Sound reexamines the expectations surrounding what defines a medium and how it shapes our perception. The connection to a global media company like Ringier is evident: from its beginnings in publishing and printing to its evolution into a digitized and diversified corporation, the company has been shaping the relationship between content and medium for over 190 years. Wade Guyton, too, challenges the concept of the medium of painting—whether through his large-format printed works or the strategic use of digital technologies, he questions what a medium can be and how it shapes the art it conveys.

Through these explorations, the exhibition invites viewers to see the collection not merely as a compilation of works but as a dynamic narrative that constantly opens up new perspectives. This approach reflects Michael Ringier’s view of art as a living, integral part of both his entrepreneurial and cultural engagement.

ARTISTS

Vito Acconci, Kai Althoff, Kai Althoff & Robert Elfgen, John M. Armleder, Ed Atkins, Lutz Bacher, John Baldessari, Iain Baxter, Alighiero Boetti, Kerstin Brätsch, Angela Bulloch, Valentin Carron, Clegg & Guttmann, George Condo, Keren Cytter, René Daniëls, Verne Dawson, de Rijke / de Rooij, Philip-Lorca diCorcia, Peter Doig, Trisha Donnelly, Stan Douglas, Lukas Duwenhögger, Marcel Dzama & Raymond Pettibon, Michaela Eichwald, Nicole Eisenman, Jana Euler, Urs Fischer, Peter Fischli, Fischli/Weiss, Sylvie Fleury, Lee Friedlander, Katharina Fritsch, General Idea, Isa Genzken, Liam Gillick, Jack Goldstein, Dominique Gonzalez-Foerster, Douglas Gordon, Rodney Graham, Andreas Gursky, Guyton / Walker, Wade Guyton, Richard Hawkins, Georg Herold, Lynn Hershman Leeson, Jenny Holzer & Lady Pink, Anne Imhof, Cameron Jamie, Larry Johnson, Mike Kelley, Karen Kilimnik, Barbara Kruger, Tetsumi Kudo, Sean Landers, Louise Lawler, Sherrie Levine, Klara Liden, Sarah Lucas, Mathieu Malouf, Helen Marten, Allan McCollum, Lucy McKenzie, John Miller, Mark Morrisroe, Matt Mullican, Cady Noland, Albert Oehlen, Laura Owens, Philippe Parreno, Philippe Parreno & Pierre Huyghe, Manfred Pernice, Raymond Pettibon, Richard Phillips, Jack Pierson, Seth Price, Richard Prince, Nick Relph / Oliver Payne, Ugo Rondinone, Thomas Ruff, Wilhelm Sasnal, Jean-Frédéric Schnyder, Jim Shaw, Steven Shearer, Cindy Sherman, Avery Singer, Andreas Slominski, Josh Smith, Haim Steinbach, Sturtevant, Walter Swennen, Paul Thek, Wolfgang Tillmans, Rirkrit Tiravanija, Rosemarie Trockel, Eugene von Bruenchenhein, Peter Wächtler, Kelley Walker, Rebecca Warren, Franz West, T. J. Wilcox, Christopher Williams, Sue Williams, Jordan Wolfson, Martin Wong, Heimo Zobernig.

Pour cette exposition en duo, Delphine Reist et Laurent Faulon redomestiquent la Villa Bernasconi, en ré-affectant symboliquement chaque espace à son usage initial – la chambre redevenant la chambre, le salon, le salon et le sous-sol, la cave. Les artistes tentent ainsi de conférer un peu de sauvagerie et de brutalité à ce lieu. Cette brutalité c’est la maison vue sous un prisme social et politique. C’est celle de la propriété privée, de la famille, de ses drames et de ses secrets, de l’héritage et de ses querelles, de la reproduction sociale, du quant à soi et de l’autosatisfaction bourgeoise.

Image: Guirlandes, Laurent Faulon, 2013. Vue de l’exposition BODY BUILDING, Delphine Reist, Laurent Faulon, Stadtgalerie Saarbrücken, Allemagne. Photo: Laurent Faulon.

Dans le cadre de Fiesta, la 7e édition thématique de lille3000, le Centre Pompidou investit le Tripostal, laboratoire d’expériences culturelles qui se présente comme un lieu miroir de son bâtiment parisien. Au programme, un concentré ludique et éblouissant de l’utopie du Centre Pompidou. 

Occupant les trois niveaux du Tripostal, l’exposition « Pom Pom Pidou. Un récit renversant de l’art moderne » prend appui sur la collection et les chefs-d’œuvre du Centre Pompidou pour dérouler un récit renversant de l’art moderne et actuel, montrant qu’au 20e siècle et jusqu’à aujourd’hui, des avant-gardes aux nouvelles technologies, le champ de la création n’a cessé d’être chamboulé, agité en tous sens, fait d’embrayages et de ruptures. 

Le parcours chronologique est scandé par des contrepoints contemporains, ainsi que des dialogues interdisciplinaires (design, architecture, bande dessinée).